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Thomas Koppel
Thomas
Koppel was a composer and musician unique in the world of Danish music. He
began composing as a small child. Then, in his teenage years, he began a dual
career as a composer and classical concert pianist. But during most of his
adult life, Thomas focused on avant-garde rock music. It was during his
adulthood that he brought his liberal politics and his musical genius together.
To the end of his life, he remained intensely interested in politics and he
created music that expressed the trials of some of the most underprivileged
people on earth. And finally in his last fifteen years, in addition to his
compositions in the world of rock music, Thomas returned to avant-garde
classical music composition, and wrote for many ensembles around the world.
Throughout his life, Thomas' creative genius served his uncompromising attitude
to life and society.
Thomas Koppel's upbringing in one of the most
remarkable musical families in Denmark contributed greatly to the variety of
music he wrote. Thomas Koppel's father was the composer and pianist Herman D.
Koppel (1908-1998). Herman Koppel's four children were each recognized for
their artistic talents: Therese Koppel as a pianist, Lone Koppel as a singer,
Thomas as a pianist and composer and Anders Koppel, who played clarinet and
who, after a period writing literature and working in film, became an important
organist and composer.
Herman D.
Koppel came from a Jewish family. He fled with his wife and two young daughters
when Nazi persecution of the Jews began in October of 1943. Herman's wife was
pregnant with Thomas during their flight. Thomas was born in a refugee camp in
Sweden. It may have been his early life in this refugee camp that inspired
Thomas' lifelong solidarity with disadvantaged and homeless people, and with
refugees.
Thomas Koppel's talents emerged at an
early age and initially resembled those of his father. He expressed himself
with ease as a performer of the classical piano repertoire, as a jazz musician,
and as a composer. Thomas was admitted to the Royal Danish Academy of Music in
1962 as a pupil of his father, who was professor of piano. Thomas also studied
privately for a year with composer Vagn Holmboe. "I have always wanted to be a
composer and pianist. I can't do without either, although the two things work
against each other," said Thomas Koppel in an interview in 1965 on the occasion
of the Royal Danish Theatre's premiere of his opera The
Story of a Mother, based on the tale by Hans
Christian Andersen.
It was during these years at the Academy
that Thomas immersed himself thoroughly in the classical music milieu. He
composed string quartets, his piano concerto Visions
fugitives and various orchestral pieces - including
the official work marking the anniversary of the Royal Danish Academy of Music
in 1965 - and his cantata Phrases, written for his sister Lone. Several of these works belong to the
most avant-garde Danish music of that era. Thomas Koppel was rewarded with
Denmark's most prestigious music prizes, including the Carl Nielsen Prize, and
was much celebrated in Danish musical life.
Thomas hit the first "bump in the road" of
his musical life when the examining committee of the Academy failed him in a
final test in the soloist class for pianists. In protest, Herman D. Koppel
organized a public concert so that Thomas could make his official debut in
front of an audience. Several of the critics remarked that Thomas Koppel's
interpretations of a number of standard works were extraordinarily independent.
Thomas was already a free spirit. In August 1967 - the "Summer of Love" of the
youth revolution - Thomas began to
-create experimental rock music with his brother Anders. Some of the country's
best young jazz and rock musicians joined them, and in 1968 the group emerged
as Savage Rose. The young singer Annisette became the group's inimitable
vocalist. Three years later Thomas Koppel and Annisette became a couple, and
until his death they remained each other's closest partners.
The rock group Savage Rose enjoyed it's
greatest success between 1968 and 1973, when the group recorded eight albums of
a musical quality and intensity unparalleled in Scandinavia. The group's
popularity in Denmark peaked when Thomas Koppel wrote the music for the
watershed ballet The Triumph of Death by Flemming Flindt at the Royal Danish Theatre in 1971. The
production was a milestone in Danish culture. For the first time, the Royal
Ballet danced naked to Thomas Koppel's captivating fusion music. A TV
production of The Triumph of Death made a strong impression on the Danish public, the recording of the
ballet music became a best-selling LP, and the one vocal number in the ballet
score became a hit. Savage Rose's unique style outdistanced all other Danish
groups with sophisticated compositions and an assured technical mastery of the
instruments.
Savage Rose's virtuosity and strong poetic
expression also commanded respect in the United States, where the group was
preparing for an international breakthrough. But after a US tour Thomas Koppel
dug in his heels and changed his mind. Among other reasons he did so to protest
the American war in Vietnam. Thomas began increasingly to sympathize with
radical political movements, and in the end his firm convictions led to the de
facto break-up of Savage Rose in 1974.
Thomas and Annisette chose to support
under-privileged people engaging in class struggle around the world. They
performed wherever they identified this struggle: Annisette sang, accompanied
by Thomas on accordion. They played for striking workers, in refugee camps, at
political demonstrations and in prisons. Among Thomas' many causes, the
Palestinian cause was always close to his heart.
Before long it was hard to remember that
Thomas Koppel had once been the most talked-about talent in contemporary Danish
composition. Savage Rose still existed, at least in name, although for periods
the group only consisted of Thomas and Annisette.
At the beginning of the 1980s, fewer of
their fans could resonate with their more radical political convictions. And
many of these fans had a hard time accepting two or three musicians on stage in
contrast to the larger Savage Rose ensemble they had first known and come to
love. Thomas and Annisette paid a high price for their refusal to compromise
their ideals.
Around 1990
Thomas Koppel ventured in a new direction. Savage Rose grew into a larger band
that had great commercial success with a funky rhythm-and-blues-oriented style,
and he gradually began again to write scored music. In 1996 Thomas and
Annisette moved to Los Angeles, where the cultural diversity and the
down-at-the-heels underclass inspired them.
Throughout his adult life, Thomas'
uncompromising idealism remained unshaken, as did his versatile musical
expression. When Thomas Koppel died unexpectedly in February 2006 in his new
home in Puerto Rico, he was working for the first time for several decades on a
project for solo piano.
As a young man, Herman D. Koppel broke
with his parents' Jewish tradition. In the next generation it was once more the
family's eldest son (Thomas) who severed his ties with his father's milieu. In
his youth Thomas Koppel had a fruitful relationship with his father as a fellow
composer, and many years later he again took a positive view of the
professional values he had learned in his childhood home. Yet Thomas Koppel was
never in any doubt that in 1967 he had come to a dead end. His new goal - which
reminded Herman D. Koppel of the ties he had himself severed in the 1930s - was
in Thomas Koppel's own words "to free himself of rigid habits and dead
traditions one has taken over automatically".
Thomas
Koppel had a complex personality. He never regretted his choices, and did not
doubt the integrity of his contrasting activities as a revolutionary, elite
rock musician, concert pianist, child prodigy and playful child. Thomas possessed
personal warmth, generosity, and a wry sense of humour. -Thomas was a good
friend to many people, and he greatly valued these friendships. These qualities
colour the remarkable scored works that Thomas Koppel created in the 1990s. "I
have to do it, because I have the music in me, and it has to come out. The
orchestra is an instrument of which I am very fond, and which can do things
that can't be done in other ways," he said in an interview in 1997. Among these
works was his Symphony no. 2, written in 1995 on the occasion of the fiftieth
anniversary of the Liberation of Denmark. This second symphony indirectly
forged links with his father's compositions, many of which addressed war as a
theme, but differed by including a vocal soloist - Annisette. Additionally,
Thomas saw himself as a musical reformer. He spoke of this goal for his scored
works from the nineties: "My job is to try to help to renew music, among other
ways by overcoming the dichotomy of genres that I believe has harmed music and
human beings. It makes music an aesthetic luxury or a vulgar product. I know
that music can still retain its true function in keeping with reality, but then
it also breaks through conventional boundaries," he stated, and thought that in
his music "the classical tradition serves a simple, contemporary humanity."
Three works form a special group in this
part of Thomas Koppel's musical creativity - the pieces he composed for Michala
Petri. The first work he wrote for her was the recorder concerto Moonchild's
Dream in 1990-91. In 1992 came Nele's
Dances, written for Michala Petri and her husband,
the guitarist and lutenist Lars Hanni-bal. The last work for Petri was Los
Angeles Street Concerto in 1999. In all three works
Thomas Koppel combined his mastery of the classical idiom with inspiration from
the socially marginalized people of the streets. "Art can survive when it
starts with reality," said Thomas Koppel: these three pieces all contain a
social programme and they focus on the least fortunate members of society.
Thomas wrote Moonchild's Dream in response to a commission from the Danish
Broadcasting Corporation. Thomas Koppel himself chose to make the work a
recorder concerto for Michala Petri, and it was a joyful process for him to compose
scored music again. "There's something incredible about working through a
score," he said on TV at the time. "In a way it reminds me of taking
photographs. You take a picture - then it has to go into the darkroom, be
enlarged, go through various baths - and in the end comes the exciting moment
when you see the final result of what has been through the whole process."
While writing
Moonchild's
Dream, Thomas wrote to
Petri: "The concerto will be decidedly Danish/Nordic in tone, lyrical, light
and playful against a darker background - almost like a wood lark ascending and
defying a glowering black sky. I myself want a work that can stand alongside
the classics and which at the same time says something important about what is
Danish and delightful for an international public."
Moonchild's Dream is programme music about a little girl's dream in the South Harbour
area of Copenhagen, one of the poorest neighbourhoods in the city. The poetic
music describes the girl's hopes, dreams and fears, and sets innocence against
threats and darkness. In connection with the TV premiere Thomas Koppel
described the work as follows:
"The recorder concerto is a kind of declaration of love for the creative
life force that bubbles up from the cracks and fissures in the city pavements
despite the cold that prevails at present. It has grown out of the time we live
in, when we must be aware that over a million people in Denmark alone have been
left outside the life of society, despite the fact that we stand on the
threshold of what some people call a new world order, a new high point in the
history of mankind. That is in one way or another the background of my piece."
Thomas Koppel supplemented this with a
poem about the girl from the South Harbour:
With her bristly hair
and her wondering eyes wide open
and her big training shoes unlaced
she is the moonchild of the South Harbour,
Copenhagen, Denmark.
On her little horse she flies along
over twinkling stars of broken glass
on the silvery meadows behind the empty factories.
The summernight loves her
and she has a dream.
Nele's Dances was written for recorders (sopranino and
tenor) and archlute. Thomas Koppel had the choice of guitar or lute, and was fascinated by the large 14-course
archlute because of its overtones, its timbre and its extra octave in the bass,
which he used extensively in the piece to create specific moods. And the lute,
more than the guitar, illustrates the teeming life of the Renaissance. The
piece is inspired by Charles de Coster's interpretation of the old tale of the
mountebank Till Eulenspiegel in the book The Story of Eulenspiegel and Lame Goedzak. Nele is Till Eulenspiegel's
sweetheart, and together these main characters might also represent an image of
Thomas' and Annisette's lives together as street artists.
As the point of departure for his work Thomas Koppel wrote a poem where
each line is the heading for a movement:
I know you're crossing the borders somewhere
And I know
you're remembering, you distant boy
And I'm
still feeling you in my arms
In front
of the castle with no doors
Where the
living dead are dancing
There I
dance my dance on black feet
And later
on, in the place that no one knows
I give
birth to the warm fruit of our love
And the
wild foals leave the folds
In a
symphony of galloping hooves
Los Angeles Street Concerto was written in
1999 and commissioned by Linda Attiyeh, a friend in Los Angeles who is involved
with Green Umbrella, the new music ensemble of the Los Angeles Philharmonic.
The piece premiered in 2000 in Aalborg and played in New York six months later.
In 2004 Michala Petri performed the piece with violinist Gidon Kremer and his
ensemble Kremerata Baltica, and Gidon Kremer became so enthusiastic about the
music that he commissioned a violin concerto from Thomas Koppel. Unfortunately
this project remains unfinished, and Thomas left little more than sketches.
The ensemble in Los Angeles Street Concerto is sopranino
recorder, 9 strings and celesta. "It is a very demanding little piece that
requires a dazzling virtuoso and 10 dazzling musicians who can combine
virtuosity with poetry, humour and the joy of storytelling," wrote Thomas
Koppel. And in connection with the first performance he offered this
presentation of the idea behind the concerto:
"One of the strangest city centres in the world is in Los Angeles. By
day the area is thronging with financial and business people in white shirts,
mingling with hundreds of thousands of Mexican mothers shopping in the cheap
Mexican stores with their children, as well as thousands of homeless people. In
the evening, when both the financial workers and the housewives have gone home,
only the homeless are left behind, centred on Los Angeles Street, where they
live in cardboard boxes around the social services and soup kitchens of the
various faiths. The homeless are young and old, from all social strata, single
mothers with small children, teenagers. Some of the young people survive as
fabulous performance artists, using nothing but the street as their stage."
"The concerto is a little tale in these
gloomy surroundings, like a love pas de deux between the recorder and the first
violin and with lively participation from the other instruments. While forming
a ‘collective' weave of voices, rhythms and sounds, each one is also 100% a
soloist.
"For myself the work expresses profound
joy and gratitude at experiencing that people can keep their integrity,
initiative, humour and faith in life, even in the most humiliating
circumstances. That is why the piece is also an extension of my lifelong urge
to combine the best ‘classical' composing craftsmanship with contemporary
content, accessible to the people I love and feel attached to, who do not
necessarily have any ‘training' in listening to modern classical music."
Bob Attiyeh and Jens Cornelius,
2006
Thomas Koppel
Das in der dänischen
Musik einzigartige Leben des Komponisten und Musikers Thomas Koppel nahm seinen
sensationellen Anfang mit den ersten Kompositionen des Jungen. Als Teenager
schickte er sich bereits an als Komponist und klassischer Konzertpianist eine
Doppelkarriere zu machen, die er dann jedoch zugunsten der Avantgarde-Beatmusik
und später seiner idealistischen Tätigkeit als Musiker der Linken aufgab.
Während der letzten 15 Jahre seines Lebens arbeitete er wieder an
Partiturwerken für klassische Besetzungen, ließ sich in seinem Schaffen aber
weiterhin von einer kompromisslosen Haltung zum Leben und zur Gesellschaft
leiten.
Koppels wechselvolle Produktivität gründete in
der Tatsache, dass er in einer der bemerkenswertesten Musikerfamilien aufwuchs,
die es in Dänemark je gegeben hat. Koppels Vater war der Komponist und Pianist
Herman D. Koppel (1908-1998), dessen vier Kinder alle schon in jungen Jahren
durch ihr künstlerisches Talent bekannt wurden: Therese Koppel als Pianistin,
Lone Koppel als Sängerin, Thomas als Pianist und Komponist und Anders Koppel,
der Klarinette spielte und nach einer Periode mit Literatur und Film ein
bedeutender Organist und Komponist wurde.
Herman D. Koppel war jüdischer Abstammung und
musste mit seiner Frau und seinen beiden kleinen Mädchen fliehen, als im
Oktober 1943 auch in Dänemark die Judenverfolgung der deutschen Besatzer
begann. Thomas war unterwegs und wurde in einem schwedischen Flüchtlingslager
geboren, vielleicht eine Prophetie seiner lebenslangen Solidarität mit
Notleidenden, Heimatlosen und Flüchtlingen.
Thomas Koppels Fähigkeiten zeigten sich schon
sehr früh und erinnerten stark an die Begabung seines Vaters. Er entfaltete
sein Talent mühelos als klassischer Pianist, als Jazzmusiker und Komponist und
kam 1962 als Schüler seines Vaters an das Königlich Dänische
Musikkonservatorium von Kopenhagen, wo sein Vater als Professor für Klavier
tätig war. Nebenbei studierte er ein Jahr lang privat bei dem Komponisten Vagn
Holmboe. „Ich wollte immer Komponist und Pianist werden. Ich kann beides nicht
entbehren, obwohl die Dinge gegeneinander arbeiten," erklärte Koppel 1965 in
einem Interview anlässlich der Premiere seiner nach Hans Christian Andersens
Märchen komponierten Oper Historien om en moder (Die Geschichte einer Mutter) am Königlichen Theater von Kopenhagen.
In diesen Jahren
war er dem klassischen Musikleben am nächsten. Er komponierte Streichquartette,
das Klavierkonzert Visions
fugitives und
verschiedene Orchesterstücke, u.a. auch das offizielle Werk zur Jubiläumsfeier
des Königlich Dänischen Musikkonser-vatoriums im Jahr 1965, sowie die der
Schwester Lone gewidmete Kantate Phrases. Mehrere
seiner Werke zählten damals zur avantgardistischsten dänischen Musik. Koppel
wurde dafür mit den höchsten Musikpreisen wie z. B. dem Carl-Nielsen-Preis
geehrt und war eine im dänischen Musikleben heftig diskutierte Sensation.
Der gerade Weg nach oben bekam seinen ersten
Knick, als die Jury des Konservatoriums Koppel bei einer Abschlussprüfung in
der Solistenklasse für Pianisten durchfallen ließ. Aus Protest veranstaltete
Herman D. Koppel selbst ein öffentliches Konzert, damit Thomas sein offizielles
Publikumsdebüt bekam. Mehrere Kritiker schrieben, Thomas Koppel interpretiere
eine Reihe von Standardwerken überaus selbständig. Das war im August 1967, dem
„Summer of Love" der Neuen Linken. In diesem Sommer begann Thomas mit seinem
Bruder Anders experimentelle Beatmusik zu spielen. Einige der besten jungen
Jazz- und Rockmusiker des Landes stießen zu ihnen, und 1968 trat die Gruppe als
Savage Rose an die Öffentlichkeit. Die junge Sängerin Annisette wurde zur
unvergleichlichen Vokalfigur des Ensembles. Drei Jahre später wurden Thomas und
Annisette ein Paar und verblieben bis zu seinem Tod ohne Unterbrechung die
engsten Zusammenarbeitspartner.
Ihre
spektakulärste Zeit hatte Savage Rose in den Jahren 1968-73, als die Gruppe
acht Albums von in Skandinavien unvergleichlicher musikalischer Qualität und
Intensität einspielte. Den Höhepunkt ihrer Beliebtheit in Dänemark erreichte
sie, als Thomas Koppel die Musik zu dem epochalen Ballett Dødens triumf (Triumph des Todes) schrieb, das Flemming Flindt 1971 am Königlichen
Theater auf die Bühne brachte. Die Vorstellung, in der die königlichen Tänzer
nackt zu Koppels mitreißender Fusionsmusik tanzten, wurde ein Meilenstein der
dänischen Kultur. Eine Fernsehproduktion machte tiefen Eindruck auf die
dänische Bevölkerung, die Platte mit der Ballettmusik wurde ein Bestseller, die
einzige Gesangsnummer der Vorstellung ein regelrechter Hit. Ansonsten hatte der
exklusive Stil von Savage Rose keinen ausgesprochen volkstümlichen Appeal, das
Ensemble setzte sich mit seinen anspruchsvollen Kompositionen und seiner
sicheren Instrumentalbeherrschung ganz im Gegenteil von allen anderen dänischen
Gruppen ab.
Die Virtuosität und die starke poetische
Ausdruckskraft von Savage Rose stießen auch in den USA auf Hochachtung, wo ein
internationaler Durchbruch vorprogrammiert war. Doch nach einer USA-Tournee zog
Thomas Koppel nicht zuletzt aus Protest gegen die amerikanische Kriegsführung
in Vietnam die Bremse. Er sympathisierte zunehmend mit radikalen politischen
Bewegungen und seine feste Haltung führte letztlich 1974 zur Auflösung von
Savage Rose.
Thomas und Annisette engagierten sich
stattdessen stark im Klassenkampf. Sie spielten überall, wo es etwas zu kämpfen
gab, und traten mit Gesang und Schifferklavier vor streikenden Arbeitern, in
Flüchtlingslagern, bei Demonstrationen und in Gefängnissen auf. Thomas machte
sich nicht zuletzt für die Palästinenser stark.
Allmählich geriet
Thomas Koppel, das heißeste Talent der neuen dänischen Kompositionsmusik, etwas
in Vergessenheit. Savage Rose gab es dem Namen nach immer noch, obwohl die
Gruppe zeitweilig nur aus Thomas und Annisette bestand. Zu Beginn der 80er
Jahre vermochten jedoch nur noch wenige der radikalen politischen Überzeugung
und dem beschnittenen musikalischen Ausdruck zu folgen. Die Kompromisslosigkeit
hatte einen hohen Preis.
Um 1990 unternahm Koppel Schritte in eine neue
Richtung. Savage Rose wuchs wieder zu einer größeren Band, die mit ihrem funky
Rhythm'nblues-orientierten Stil großen kommerziellen Erfolg hatte, und so langsam
schrieb er auch wieder Partiturmusik. Er zog 1996 mit Annisette nach Los
Angeles, wo ihn die kulturelle Vielfalt - und die heruntergekommene Unterklasse
- inspirierten. Der kompromisslose Idealismus blieb weiter unerschütterlich,
auch der vielseitige musikalische Ausdruck wurde beibehalten. Als Thomas Koppel
völlig unerwartet im Februar 2006 in seinem neuen Zuhause in Puerto Rico starb,
arbeitete er zum ersten Mal seit Jahrzehnten an einem Projekt für Soloklavier.
Das Talent mag ein schweres Joch gewesen sein,
nicht zuletzt wegen der damit verbundenen Familientraditionen. Herman D. Koppel
hatte als junger Mann selbst mit den jüdischen Traditionen seiner Eltern
gebrochen, und in der nächsten Generation war es also noch einmal der älteste
Sohn der Familie, der aus dem Milieu des Vaters ausbrechen musste. In seinen
Jugendjahren hatte Thomas Koppel ein fruchtbares kollegiales Verhältnis zu
seinem Vater und viele Jahre später sah er die professionellen Werte, die er
aus dem Elternhaus mitgenommen hatte, wieder positiv. Er war sich jedoch nie im
Zweifel, dass er 1967 in einer Sackgasse gelandet war. Sein neues Ziel, das
Herman D. Koppel an den Bruch erinnerte, den er selbst in den 1930ern vollzogen
hatte, bestand mit den Worten von Thomas Koppel darin, „sich von starren
Gewohnheiten und toten Traditionen zu befreien, die man per Reflex übernommen
hat."
Thomas Koppel war eine komplexe
Persönlichkeit. Er bereute seine Entscheidung nie und zweifelte auch nie an der
Integrität seiner widersprüchlichen, revolutionären und elitären Entwicklung
und seiner Tätigkeit als Rockmusiker und Konzertpianist, Wunder- und Spielkind.
Gleichzeitig strahlte er Wärme und viel Großzügigkeit, Freundlichkeit und Humor
aus, was auch die bemerkenswerten Partiturwerke kennzeichnet, die Koppel
anscheinend problemlos in den 1990er Jahren schuf. „Ich muss es machen, weil
ich die Musik in mir habe, und die muss raus. Das Orchester ist ein Instrument,
das ich sehr mag und das Dinge tun kann, die sich nicht anders machen lassen,"
erklärte er 1997 in einem Interview. Zu seinen Werken zählte seine 1995
anlässlich des 50. Jahrestages der Befreiung Dänemarks von der deutschen
Besatzung geschriebene Sinfonie Nr. 2. Mit dieser Sinfonie knüpfte er indirekt
an die vielen, den Krieg thematisierenden Werke seines Vaters an, unterscheidet
sich von ihm jedoch durch die Gesangsolistin - natürlich Annisette - denn auch
zu seinen Partiturwerken der 90er Jahre hatte Koppel eine sehr überzeugte
Einstellung. „Meine Aufgabe ist es zu versuchen, zur Erneuerung der Musik
beizutragen, u. a. durch die Überwindung der Aufsplitterung in Gattungen, die
meiner Meinung nach der Musik und den Menschen geschadet hat. Sie macht die
Musik zu ästhetischem Luxus oder zur vulgären Alltagsware. Ich weiß, dass die
Musik immer noch ihre mit der Wirklichkeit übereinstimmende Funktion haben
kann, aber dann durchbricht sie auch festgesetzte Grenzen," sagte er und
meinte, in seiner Musik diene „die klassische Tradition einer einfachen,
gegenwärtigen Menschlichkeit."
Drei Werke bilden in diesem Teil der
Koppelschen Produktion eine besondere Gruppe, nämlich die Stücke, die er für
Michala Petri komponierte. Als erstes schrieb er für sie das Blockflötenkonzert
Moonchild's Dream von 1990-91.
Danach kamen 1992 Neles danse (Neles Tänze), die er für Michala Petri und ihren Mann, den
Gitarristen und Lautenisten Lars Hannibal, komponierte. Das letzte Werk für
Petri war das 1999 entstandene Los Angeles Street Concerto. In allen drei Werken arbeitet Koppel daran, den klassischen Ausdruck
mit der von den Armen und Ausgestoßenen der Straße ausgehenden Inspiration zu
vereinen. „Die Kunst kann überleben, wenn sie bei der Wirklichkeit ansetzt,"
sagte Koppel, weshalb die drei Stücke alle ein sozial bewusstes Programm
beinhalten und die untersten Schichten der Gesellschaft in den Brennpunkt
rücken.
Moonchild's Dream kam im Auftrag des Dänischen Rundfunks zustande. Koppel entschied
selbst, dass es sich bei dem Werk um ein Blockflötenkonzert für Michala Petri
handeln sollte. Wieder Partiturmusik zu komponieren war für ihn ein
freudenvoller Prozess. „Es hat etwas Unglaubliches, sich durch eine Partitur
hindurchzuarbeiten," sagte er einmal im Fernsehen. „In gewisser Weise erinnert
es ans Fotografieren. Man macht eine Aufnahme, die muss dann in die Dunkelkammer,
wird vergrößert, in verschiedene Bäder gesteckt und zuletzt kommt der spannende
Moment, wo man das Endergebnis dessen in der Hand hält, das den ganzen Prozess
durchgemacht hat."
Während der Arbeit schrieb er an Petri: „Das
Konzert wird vom Ton her ausgesprochen dänisch/nordisch, lyrisch, leicht und
spielerisch vor einem dunkleren Hintergrund, fast wie eine Heidelerche, die
emporsteigt und einem drohenden schwarzen Himmel trotzt. Ich möchte selbst ein
Werk, das neben den Klassikern stehen kann und gleichzeitig für Alle
unmittelbar verständlich ist, und das einem internationalen Publikum etwas
Wesentliches darüber sagt, was dänisch und schön ist."
Moonchild's
Dream ist Programmmusik
über die Träume eines kleinen Mädchens im Südhafen, einem der ärmsten Viertel
von Kopenhagen. Die poetische Musik schildert die Hoffnung, die Träume und die
Furcht des Mädchens und stellt Unschuld gegen Drohungen und Dunkel. Für die
Fernsehpremiere charakterisierte Koppel sein Werk folgendermaßen:
„Das Flötenkonzert ist eine Art
Liebeserklärung an das schöpferische Leben, das trotz der in unserer Zeit
herrschenden Kälte aus Rissen und Spalten in den Straßen der Stadt sprießt. Es
ist unserer Zeit entwachsen, in der wir erkennen müssen, dass allein in
Dänemark über eine Million Menschen von der gesellschaftlichen Existenz
ausgeschlossen sind, obwohl wir an der Schwelle dessen stehen, was manche eine
neue Weltordnung genannt haben, vor einem neuen Höhepunkt in der Geschichte der
Menschheit. Das ist irgendwie der Hintergrund meines Stückes."
Koppel ergänzte das durch das folgende Gedicht
über das Mädchen aus dem Südhafen:
With her bristly hair
and her wondering eyes wide open
and her big training shoes unlaced
she is the moonchild of the South Harbor,
Copenhagen, Denmark.
On her little horse she flies along
over twinkling stars of broken glass
on the silvery meadows behind the empty factories.
The summernight loves her
and she has a dream.
Nele's
Dances wurde für Blockflöte (Sopranino und Tenor) und
Erzlaute geschrieben. Koppel hatte die Wahl zwischen Gitarre und Laute und
fühlte sich von der großen 14-chörigen-Erzlaute fasziniert wegen der Obertöne,
des Klangs und der zusätzlichen Bassoktave des Instruments, die in dem Stück
genutzt werden um Stimmung zu erzeugen. Außerdem veranschaulicht die Laute eher
als die Gitarre das rege Leben der Renaissance. Angeregt wurde das Stück durch
die Auslegung, die Charles de Coster in seinem Buch Tyll
Ulenspiegel und Lamm Goedzak von dem alten Märchen vom
Gaukler Till Eulenspiegel gibt. Nele ist Till Eulenspiegels Liebste, zusammen
könnten sie ein Bild von Thomas und Annisettes Leben als Künstler der Straße
abgeben.
Den Ausgangspunkt des Werkes bildet ein
Gedicht von Koppel, dessen Zeilen jeweils die Überschrift für einen Satz
liefern:
I know you're
crossing the borders somewhere
And I know you're remembering, you distant boy
And I'm still feeling you in my arms
In front of the castle with no doors
Where the living dead are dancing
There I dance my dance on black feet
And later-on, in the place that no one knows
I give birth to the warm fruit of our love
And the wild foals leave the folds
In a symphony of galloping hooves
Los Angeles
Street Concerto entstand 1999 im Auftrag von Linda
Attiyeh, Los Angeles. Das Stück wurde 2000 in Aalborg uraufgeführt und ein
halbes Jahr später in New York gespielt. Michala Petri spielte das Stück 2004
zusammen mit dem Violinisten Gidon Kremer und dessen Ensemble Kremerata
Baltica. Kremer war von der Musik so begeistert, dass er bei Koppel ein
Violinkonzert bestellte. Dieses Projekt kam leider über das Skizzenstadium nicht
hinaus.
Die Besetzung des Los
Angeles Street Concerto besteht aus einer
Sopraninblockflöte, neun Streichern und Celeste. „Es ist ein sehr
anspruchsvolles kleines Stück, das einen blendenden Virtuosen und zehn
blendende Musiker erfordert, die Virtuosität mit Poesie, Humor und Erzählfreude
vereinen können," schrieb Koppel. Zur Uraufführung erläuterte er die dem
Konzert zugrunde liegende Idee folgendermaßen:
„Eines der seltsamsten Großstadtzentren der
Welt findet man in Los Angeles. Am Tage wimmelt es dort von Finanz- und
Geschäftsleuten im weißen Hemd, die sich mit Hunderttausenden von mexikanischen
Müttern mischen, die mit ihren Kindern in den billigen mexikanischen Geschäften
einkaufen, hinzu kommen Tausende von Obdachlosen. Am Abend, wenn die
Finanzleute und die Hausfrauen nach Hause gegangen sind, bleiben nur noch die
Obdachlosen zurück, die sich um Los Angeles Street scharen, wo sie in
Pappkartons rund um die sozialen Dienste und Straßenküchen der verschiedenen
Glaubensrichtungen leben. Die Obdachlosen sind Junge und Alte, kommen aus allen
sozialen Schichten, alleinstehende Mütter mit kleinen Kindern, Teenager. Einige
der Jungen überleben damit, dass sie an anderen Stellen in der großen Stadt
fabelhafte Artistennummern vorführen.
Das Konzert ist
ein kleines Märchen in diesem düsteren Umfeld, wie ein Liebes-Pas de deux
zwischen Blockflöte und erster Geige und unter lebhafter Anteilnahme der
anderen Instrumente, die ein ‚kollektives‘ Gewebe aus Stimmen, Rhythmen und
Klängen bilden, zugleich aber auch selbst alle 100% Solisten sind.
Für mich drückt das Werk eine tiefe Freude und
Dankbarkeit aus für die Erfahrung, dass sich Menschen selbst unter den
erniedrigendsten Umständen ihre Integrität, ihre Initiative, ihren Humor und
ihren Glauben an das Leben erhalten können. Deshalb ist das Stück auch als
fortgesetzter Ausschlag meines lebenslangen Dranges zu sehen, das höchste
‚klassische‘ Komponistenhandwerk mit gegenwärtigem Inhalt zu vereinen und den
Menschen zugänglich zu machen, die ich liebe und denen ich mich verbunden fühle
und die nicht notwendigerweise dazu ‚ausgebildet‘ wurden, moderne klassische
Musik zu hören."
Jens Cornelius, 2006