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ANDERS KOPPEL
"My music is the
result of the life I've lived," says Anders Koppel. And it would be hard to imagine a more multifaceted musical life!
As a child Anders Koppel was already
taking music in large doses when his father, the composer and pianist Herman D.
Koppel, wrote new works and practiced his classical repertoire in the
living-room where the grand piano stood. In his early teenage years Anders
Koppel was an active musician, composer and budding poet, and his three older
siblings were also on their way towards brilliant musical careers.
Since then the public has been able to
meet Anders Koppel in innumerable musical contexts: as a classical orchestral
composer, as a composer of music for ballets and films, as a rock musician, as
a poetic pianist and as an exciting Hammond organ player in all sorts of
non-classical music.
Many people mainly associate Anders
Koppel and his late brother, the composer and pianist Thomas Koppel, with the
youth revolution. And there were not many like them when it came to showing the
potential of a new age. They took their talent and cultural insight with them
into the revolt and got all the more out of creating something new, not least
in the epoch-making Danish rock band Savage Rose.
Anders
Koppel has no diplomas, either as a musician or as a composer. His "academy"
has consisted of making music for over a hundred films, he says himself, and
his film music certainly demonstrates an unusually wide horizon - you can find
country & western, Latin requiems and French military marches in it; only
rarely as pastiche, for as a rule the many layers and angles simply function as
natural ballast in his vital, all-round musicianship.
When you hear Anders Koppel's scored
music, glimpses of all sorts of other music than classical inevitably surface:
salsa, blues, exotic world music, tango and skewed Balkan rhythms. These are
the different aspects of Anders Koppel that rub off on one another, and it
isn't because he has any plan to make classical music more "rhythmic" or rock
and jazz music more classical.
"I don't want to demonstrate some
manifesto. I just make the music I can, and I speak the language that is mine,"
says Anders Koppel. "It isn't something I think about - that's just the way it
is."
For over forty years Anders Koppel has stuck to
his dual role as composer and as performing, improvising musician. Throughout
the history of music this was a quite natural combination, but it is
unfortunately very rare today. Nor has his career as a performing musician been
throttled back since Anders Koppel made a decision in 1997 to spend all his
composing time on scored music. On the contrary, the decision kindled bursts of
rampageous energy and creativity. The ideas come pouring out, and the
commissions from home and abroad come pouring in. Each time Anders Koppel
succeeds in writing music that pleases both audiences and musicians. In fact
it's exactly the relationship among the three elements - composer, musician and
recipient - that claims most of his attention.
He has had great success with
instrumental concertos in particular, and at the time of writing he has created
twenty. For Anders Koppel the classical concerto form has by no means exhausted
its potential, and you hear this in the concertos when he attacks the genre
from all conceivable angles.
For Anders Koppel a solo concerto must
also be a party. "When I was a child I thought it was festive to see my father
walk on in full evening dress and to see how the big orchestra was humanized
when the soloist entered the fray. How the music, in interaction and contest,
in spirited conversation and liberated ecstasy, celebrated life." These are
observations he now exploits himself in his scored music.
The Double Concertos
A special genre among the instrumental concertos
is the double concerto, where the soloists play in dialogue with and against
the orchestra, but also speak to each other; a combination that recalls
simultaneous chess playing, and which is a real trigger for Anders Koppel's
imagination. He quite simply finds twice as many uses for his wealth of ideas
this way. No wonder Anders Koppel's double concertos are among his most lively
music. So far four of his instrumental concertos have had a double soloist
group (besides the two works on the CD also concertos for flute and harp and
for marimba and vibraphone. And a Sinfonia
concertante with four
soloists is on the way).
Concerto
for Violin, Accordion and Orchestra is Anders
Koppel's twelfth instrumental concerto, written in 2001-2002 at the same time
as his Concerto for Percussion and Orchestra. It is entirely classically structured, both in the form of the
movements and in their order: fast, slow, scherzo, finale. And the spirit of
the work - with alternations, challenges and dialogue between orchestra and
soloists - is also wholly classical.
The work
is coloured by a mixture of violin and accordion, an instrument combination
that is especially well known from the Argentinean tango tradition. Anders
Koppel is in fact a great tango fan, especially of the old, explosively
rhythmic dance tango, as played for example by Osvaldo Pugliese. The first
movement begins in a kind of tango rhythm, but in an abstract variant; a
passionate dance with intense movements and dramatic gesticulation by the
soloists, who attract all the attention. The second subject of the movement is
dreamlike and is presented quite simply, first by the violin, then by the
accordion. This gets the temperaments calmed down a little, but the orchestra
wants to get on (to the development section of the movement) and whips the
music onward with a repetition of the first subject. The dance begins again and
the intensity rises. At the end of the movement the two soloists have been
forced into a corner where they play a joint solo cadenza before the dance is
brought to an end.
The second movement is based on the
seventeenth-century hymn tune Når mit øje træt af
møje (When my tired and weary eye) - a melody
Koppel first came upon as a fixed element in the work on a TV film - and which
is also perhaps an echo from his time as a chorister in the Copenhagen Boys'
Choir? The naivistic melody is presented by the accordion at the beginning of
the movement, but the melody has already been thoroughly reworked by this
point. Hardly anything but rhythmic fragments are left, and the melodic motions
are hidden among atonal harmon-izations. The melody is further developed in a
number of subsequent variations, the first in the solo violin. In the course of
the movement the chorale appears in flashes, in other groups including the
violins and the woodwind, while a dolls' dance emerges between the soloists.
Finally we hear the chorale played quietly by the flutes.
The third movement is the scherzo of the
concerto, a virtuosic, humorous little toccata. The inspiration for the
repeating motif came to Anders Koppel from a baby blackbird he heard in the
early spring. The music stops abruptly - like a young blackbird that has had a
worm stuffed in its mouth!
In the
fourth movement we return to the real drama, which is still unresolved. A tough
rhythmic pulse mixing 6/8 and 3/4 prepares the way for a coming showdown. The
music is more dissonant than it has been before, and the percussion crackles beneath
everything, including an intensifying passage where the soloist duo is
otherwise more or less alone. Before long comes the biggest solo cadenza of the
work, full of ghostly sounds and harsh dissonances, until the orchestra returns
and insists on a conciliatory ending.
The Concerto
for saxophone, piano and orchestra was written for the pianist Rikke Sandberg and the saxophonist
Benjamin Koppel, who is the composer's son. "I've worked closely with Rikke and
Benjamin on innumerable occasions, and I have a mental picture of their musical
personalities in my head. That inspires me a lot," says Anders Koppel.
It is a darker work than the concerto
for violin and accordion; and more inscrutable. And then there is the quite
special character the music gets from the piano part's salsa-inspired figures
and the saxophone part, which is partly improvised.
In the first movement the music is
struggling, sombre and dramatic. The concerto begins with a ‘knocking' signal
as in Beethoven's Violin Concerto (one of Koppel's idols). The first subject of
the movement dominates the dreamlike melancholy of the introduction, but the
music becomes more and more chaotic with the entry of the second subject. The
dream almost becomes a nightmare, ends up in a whirling dance that pulsates in
dancing 15/16th rhythms, and in the end falls calm again.
A dualism
runs through the whole work. The first movement is a kind of pure essence that
finds its contrast in the second movement's intense forward thrust. Dream
versus reality. To maintain the balance with the large first movement, the
second movement is also long and complex although the tempo is fast. The
movement is based on a simple bass figure - or in reality just two bass notes,
E and D, which never settle down as a true ostinato. Over the bass notes the
movement develops as variations in a kind of rondo form with ‘hidden
variations'. A mighty flow of rampant associations and improvisations in a
wild, physical demonstration; rarely for this friendly composer, the energy
level here almost rises to the aggressive.
The movement's jumble of transformations
grows up organically. Even the mambo-like progression towards the end of the
movement does not come out of the blue, and with its humour and ecstatic energy
becomes the resolution of the work.
In this double concerto the boundary
between the written and the improvised is fluid in the case of the saxophone.
The written saxophone part is a cue for Benjamin Koppel's improvisational
talent, which Anders Koppel also exploits in his two saxophone concertos
(recorded on Dacapo 8.226036). The finesse in this double concerto is that the
piano part, which includes no improvisation, balances with the possibilities
given to the saxophone part.
On the
whole Anders Koppel would like to see improvisation reintroduced to scored
music - a tradition that by and large stopped with Beethoven. In the piano and
saxophone concerto Koppel has written out the entire saxophone part, but with
indications of where the notation can be abandoned in favour of improvisation.
A soloist who cannot or will not improvise can easily play the work anyway, and
the model thus corresponds to the one Mozart used in his piano concertos.
"The audience must not notice when the
improvisation begins and ends. The improvisation simply adds extra energy, and
energy and a sense of liberation play an important role in my music."
Jens Cornelius, 2008
ANDERS KOPPEL
„Meine Musik ist das
Resultat meines gelebten Lebens", sagt Anders Koppel, und ein vielseitigeres musikalisches Leben ist wohl nur schwer
vorstellbar!
Schon als Kind erlebte Anders Koppel Musik
hochdosiert, wenn sein Vater, der Komponist und Pianist Herman D. Koppel, neue
Werke schrieb und im Wohnzimmer, wo der Flügel stand, sein klassisches
Repertoire übte. In seinen frühen Jugendjahren war Anders Koppel aktiver
Musiker, Komponist und angehender Dichter, so wie auch seine drei älteren
Geschwister glänzende Musikerkarrieren vor sich hatten.
Seither begegnete Koppel seinem Publikum in
zahllosen musikalischen Zusammenhängen: als klassischer Orchesterkomponist, als
Komponist von Ballett- und Filmmusik, als Rockmusiker, als poetischer Pianist
und als fabelhafter Hammondorgelspieler in allen möglichen Formen von nicht
klassischer Musik. Viele verbinden Anders Koppel und seinen mittlerweile
verstorbenen Bruder, den Komponisten und Pianisten Thomas Koppel, vor allem mit
der Jugendrevolte der 60er Jahre des letzten Jahrhunderts. Es gab denn auch
nicht viele, die wie sie die Möglichkeiten einer neuen Zeit zeigten. Sie
brachten ihre Begabung und ihre kulturelle Einsicht in diese Revolte ein und
waren damit schöpferisch umso innovativer, nicht zuletzt in der epochemachenden
dänischen Rockgruppe Savage Rose.
Anders Koppel
kann weder als Musiker noch als Komponist Examenspapiere vorweisen. Seine
„Konservatoriumsausbildung" sei die Musik zu über hundert Filmen gewesen, sagt
er selbst, und in seiner Filmmusik beweist er denn auch einen ungewöhnlich
breiten Horizont; man stößt dort auf Country & Western, lateinische
Totenmessen und französische Militärmärsche, und zwar nur selten als Pasticcio,
denn in der Regel erscheinen die vielen Schichten und Winkel ganz einfach als
natürlicher Ballast eines lebendigen und vielseitigen musikalischen Oeuvres.
Hört man
Koppels Partiturmusik, so blitzt unweigerlich alles mögliche andere als die
klassische Musik auf. Salsa, Blues, exotische Musik, Tango und schräge
Balkanrhythmen. Koppels unterschiedliche Seiten färben aufeinander ab, und das
nicht, weil er den Plan verfolgt, die klassische Musik „rhythmischer" oder die
rhythmische Musik klassischer zu machen. „Ich will nicht irgendein Manifest
demonstrieren. Ich mache nur die Musik, die ich kann, und ich spreche die
Sprache, die meine ist", erklärt Koppel. „Darüber denke ich nicht nach, es ist
einfach so."
Seit über vierzig Jahren hält Koppel an seiner Doppelrolle als Komponist
und ausübender, improvisierender Musiker fest. Das ist in der Musikgeschichte
eine völlig natürliche Kombination, nur ist sie heute leider sehr ungewöhnlich.
Es tat denn der Karriere des praktizierenden Musikers Koppel auch keineswegs
Abbruch, dass er 1997 den Entschluss fasste, seine Komponistenzeit ganz und gar
der Partiturmusik zu widmen. Dieser Entschluss setzte ganz im Gegenteil eine
unbändige Energie und Kreativität frei. Die Ideen überstürzen sich, und es
hagelt Aufträge aus dem In- und Ausland. Jedesmal gelingt es Koppel, Musik zu
schreiben, die Publikum und Musikern Freude macht. Genau genommen beschäftigt
ihn gerade die Beziehung zwischen den drei Parteien Absender, Musiker und
Empfänger am meisten.
Nicht zuletzt
seine bisher zwanzig Instrumentalkonzerte waren sehr erfolgreich. Die
Möglichkeiten der klassischen Konzertform sind für Koppel noch keineswegs erschöpft,
was man hört, wenn er in den Konzerten das Genre aus allen erdenklichen Winkeln
her angeht.
Für Anders
Koppel muss ein Solokonzert auch ein Fest sein. „Als Kind empfand ich es als
feierlich, wenn mein Vater im Frack herein-kam und ich erleben durfte, wie das
große Orchester vermenschlicht wurde, wenn der Solist dran war. Wie die Musik
im Einklang und Wettstreit, in beseeltem Gespräch und in befreiter Ekstase das
Leben feierte", sagt er. Diese Beobachtungen verwendet er jetzt selbst in
seiner Partiturmusik.
Die Doppelkonzerte
Ein besonderes Genre
der Instrumentalkonzerte bilden die Doppelkonzerte, bei denen die Solisten
einen Dialog mit dem Orchester führen und ihm Kontra bieten, aber auch
miteinander reden. Eine Kombination, die an Simultanschach erinnert und einen
regelrechten Auslöser für Koppels Phantasie darstellt. Er findet auf diese
Weise ganz einfach doppelt so viele Verwendungsmöglichkeiten für seinen
Einfallsreichtum. Deshalb zählen Koppels Doppelkonzerte nicht weiter
verwunderlich zu seiner lebendigsten Musik. Bis jetzt haben vier seiner
Instrumentalkonzerte eine doppelte Solistenbesetzung (neben den beiden hier
vorliegenden Werken auch Konzerte für Flöte/Harfe und Marimba/Vibraphon; auch
eine Sinfonia concertante mit vier
Solisten steht an).
Das Konzert
für Violine, Akkordeon und Orchester ist Koppels
zwölftes Instrumentalkonzert und entstand gleichzeitig mit seinem Konzert für
Schlagzeug und Orchester in den Jahren 2001-2002. Das Werk ist sowohl von der
Form wie von der Reihenfolge der Sätze her völlig klassisch aufgebaut: schnell,
langsam, Scherzo, Finale. Auch inhaltlich steht das Werk mit Austausch,
Herausforderungen und Dialog zwischen Orchester und Solisten ganz in der
klassischen Tradition.
Seine Färbung
erhält das Werk durch die vor allem aus der argentinischen Tangotradition her
bekannte Instrumentenkombination Geige und Akkordeon. Koppel ist denn auch ein
großer Tangofan, ein Anhänger vor allem des alten und explosiv rhythmischen Tanztangos,
wie ihn z. B. Osvaldo Pugliese spielte. Der erste Satz des Doppelkonzerts
beginnt mit einer Art Tangorhythmen, doch einer abstrakten Variante. Ein leidenschaftlicher
Tanz mit intensiven Bewegungen und dramatischem Gestikulieren der Solisten, die
alle Aufmerksamkeit auf sich ziehen. Das träumerische Nebenthema des Satzes
wird ganz einfach vorgestellt, zunächst von der Geige, danach vom Akkordeon.
Das dämpft die Temperamente etwas, doch das Orchester will weiter (zum
Durchführungsteil des Satzes) und peitscht die Musik mit einer Wiederholung des
Hauptthemas vorwärts. Der Tanz setzt wieder ein, die Intensität steigert sich.
Am Ende des Satzes sind die beiden Solisten in die Ecke gedrängt, wo sie eine
gemeinsame Solokadenz spielen, bevor der Tanz beendet wird.
Der zweite Satz baut auf „Wenn mein Auge
müde von der Mühe", einer alten Choralmelodie des 17. Jahrhunderts, auf. Koppel
stieß auf diese Melodie erstmals bei der Arbeit an einem Fernsehfilm, wo sie
ein gebundenes Element darstellte. Vielleicht hat man es aber auch mit einem
Echo aus seiner Zeit als Kirchensänger im Kopenhagener Knabenchor zu tun? Zu
Beginn des Satzes präsentiert das Akkordeon die naivistische Melodie, die
jedoch bereits da gründlich bearbeitet ist. Übrig sind fast nur noch rhythmische
Brocken, die melodischen Bewegungen sind in einer atonalen Harmonisierung
verborgen. In mehreren folgenden Variationen wird die Melodie weiterentwickelt,
die erste tritt in der Solovioline auf. Im Verlauf des Satzes blitzt der Choral
u. a. bei den Geigen und den Holzbläsern auf, während sich zwischen den
Solisten ein Puppentanz herausbildet. Zuletzt ist der Choral still bei den
Flöten zu vernehmen. Der dritte Satz ist das Scherzo des Konzerts, eine
virtuose und amüsante kleine Toccata. Die Anregung zu dem repetierenden Motiv
holte sich Koppel bei einer jungen Amsel, die er im Frühling gehört hatte. Die
Musik bricht abrupt ab, wie eine junge Amsel, der man einen Regenwurm in den
Hals stopft!
Im vierten
Satz kehrt man zu dem noch immer nicht gelösten, wirklichen Drama zurück. Ein
zäher, rhythmischer Beat aus 6/8- und 3/4-Takten verweist auf eine künftige
Auseinandersetzung. Die Musik ist jetzt dissonanter als zuvor, unter allem
schwelt das Schlagzeug, auch unter einer intensivierenden Passage, in der das
Solistenduo im Großen und Ganzen allein spielt. Recht bald folgt die größte
Solistenkadenz des Werkes, voller gespenstischer Klänge und greller
Dissonanzen, bevor das Orchester wiederkehrt und auf einem erlösenden Abschluss
besteht.
Das Konzert
für Saxophon, Klavier und Orchester wurde für die
Pianistin Rikke Sandberg und den Saxophonisten Benjamin Koppel, den Sohn des
Komponisten, geschrieben. „Ich habe unzählige Male mit Rikke und Benjamin
zusammengearbeitet und habe ein psychologisches Bild ihrer musikalischen
Persönlichkeiten im Kopf. Das regt mich sehr an", erklärt Anders Koppel.
Gegenüber dem Violin-/Akkordeon-konzert
handelt es sich um ein düstereres Werk. Und um ein unergründlicheres. Hinzu
kommt der ganz besondere Charakter, den die Musik durch die salsa-inspirierten
Figuren und die teilweise improvisierte Saxophonstimme erhält.
Im ersten Satz kämpft die Musik einen
düsteren und dramatischen Kampf. Wie das Violinkonzert von Beethoven (einer von
Koppels Idolen) wird das Konzert von einem Klopfsignal eingeleitet. Das
Hauptthema des Satzes prägt die träumerische Melancholie der Einleitung, doch
mit dem Eintritt des Nebenthemas wird die Musik immer chaotischer. Der Traum
wird fast zum Albtraum, gerät in einen in tanzenden 15/16tel-Rhythmen
pulsierenden Wirbeltanz und kommt schließlich wieder zur Ruhe.
Das gesamte
Werk durchzieht ein Dualismus. Der erste Satz ist eine Art reinen Seins, das
seinen Gegensatz in dem heftigen Vorwärtsdrängen des zweiten Satzes findet.
Traum kontra Wirklichkeit. Damit das Gleichgewicht zu dem großen ersten Satz
gewahrt bleibt, ist auch der zweite Satz trotz des schnellen Tempos lang und
komplex. Der Satz baut auf einem einfachen Bassgang oder in Wirklichkeit nur
auf den beiden Basstönen E und D auf, die nie als eigentliche Ostinate zur Ruhe
kommen. Über den Basstönen entwickelt sich der Satz als Variationen in einer
Art Rondoform mit „versteckten Variationen". Ein riesiger Flow ausgelassener
Assoziationen und Improvisationen in wuseligem Erscheinungsbild. Das
Energieniveau erreicht hier fast das Aggressive, was für diesen freundlichen
Komponisten selten ist.
Das Transformationsgewirr des Satzes entfaltet sich organisch.
Selbst der mambohafte Verlauf gegen Ende des Satzes kommt nicht aus heiterem
Himmel und wird mit seinem Humor und seiner ekstatischen Energie zur Erlösung
des gesamten Werkes.
Beim Saxophon verwischt sich in diesem Doppelkonzert die Grenze
zwischen dem schriftlich Festgehaltenen und der Improvisation. Die
Saxophonstimme ist ein Angebot an Benjamin Koppels Improvisationstalent, das
Anders Koppel auch in seinen beiden (auf Dacapo 8.226036 eingespielten)
Saxophonkonzerten ausnutzt. Das Kunststück besteht in diesem Doppelkonzert
darin, dass die keine Improvisation beinhaltende Klavierstimme mit den
Möglichkeiten der Saxophonstimme balanciert.
Koppel sieht es überhaupt gern, dass die
Improvisation wieder in die Partiturmusik eingeführt wird, eine Tradition, die
eigentlich fast mit Beethoven endete. In seinem Klavier-/Saxophonkonzert hat
Koppel die Saxophonstimme vollständig aufgeschrieben, dabei jedoch angegeben,
wo Abweichungen zugunsten der Improvisation möglich sind. Ein Solist, der nicht
improvisieren kann oder will, kann das Werk durchaus trotzdem spielen. Das
Modell entspricht also dem von Mozart in seinen Klavierkonzerten verwendeten.
„Das Publikum soll nicht merken, wann die
Improvisation beginnt und endet. Die Improvisation liefert nur zusätzliche
Energie, und Energie und Ungezwungenheit spielen in meiner Musik eine
wesentliche Rolle."
Jens Cornelius, 2008