String Quartets 7, 8, 9 and 10

Text in Deutsch

Per Nørgård: String Quartets 7-10

In the years 1999-2000 the then newly established Kroger Quartet put an extremely complicated string quartet by Per Nørgård (b. 1932) on the programme of their ordinary classical concerts. They played Per Nørgård's Fifth String Quartet, the whole distinctiveness of which depends on the use of quarter tones. If one was old enough to remember how this music was experienced when it was first performed in 1969, a huge change had taken place. In those days one dwelt on the new: the sound-experiments, the complicated new sounds, the way the music ventured further and further into the unknown with each bar; and on how difficult and unfamiliar it was for the musicians to perform.

Then, thirty years later one heard four young people who made music with these special structures. They brought a new electricity to the avant-garde work, with inevitability and energy. Per Nørgård's quartet emerged as a new, not only modern, but classical work.

The string quartet as life model

When I later told the quartet how their performance of Nørgård had been perceived, Alexander Øllgaard, first violin, answered that the reason it all sounded a little more effortless was simple: the quartet had held 30 rehearsals of Per Nørgård's work.

How many hours the Kroger Quartet has spent on this new CD is fortunately something that no one has clocked; their work with Nørgård, alongside the classical repertoire, has extended over the past 5-6 years. Incidentally, on this new CD you can mainly hear the Kroger Quartet's mastery of passages with quarter tones and other micro-intervals in the second movement of Quartet no. 7, at the beginning of Quartet no. 8 and in most of Quartet no. 10.

The quartet's work with the new Nørgård quartets is a direct continuation of their first efforts. Although the quartets are indisputably new and quite original, in technical as in other respects, they can also be perceived as ‘classical', as works that have their own equilibrium. The quartets are both transparent and compact, and shed new light on what classical music also expresses: the music not only points towards reality but, as with all of Per Nørgård's activities, it is itself a part of reality. The more one immerses oneself in it and listens, the more one's whole picture of reality will be expanded.

The Kroger Quartet's work with the Nørgård quartets has not only been moulded in innumerable rehearsals, and in ongoing dialogue with the composer; the works have also been performed individually in the quartet's concerts and have been tried out in more workshop-like, improvised contexts where interested listeners have been able to offer their views on the execution. Within contemporary music, chamber music has a special potential, because listeners can get close to the musicians and experience both individual human contact and a collectivity. Chamber music can give them a special ‘close-up' of the music.

The Kroger Quartet has already enjoyed great success and has been very well received by the international music reviewers. What is most remarkable, though, is their everyday practice, their work and their attitude. The work of the string quartet differs from both solo and orchestral playing. It requires a particular musical awareness of simultaneity; one has to play and listen at the same time: "You have to work independently as well as following the others," says Sanna Ripatti.

It's a kind of universal human experience when you play in a string quartet, says Alexander Øllgaard: "After all, you're a social animal and you want to be with others and be inspired by others". Maj Kullberg adds, "Our quartet is actually democratic. We have no leader." During the rehearsals of the Nørgård quartets the musicians have tried singing the rhythms of the others' parts, says Jakob Kullberg; this is necessary in order to familiarize yourself with the typically Nørgårdian multidimensional rhythms.

It gives you a distinct feeling of being a member of a team when you have tried for yourself to work with what the others have to achieve. But all this does not mean that everything is calculated and programmed. As Maj Kullberg puts it, "When we have been working it can all come together on a higher plane in the concert. Because we have talked so much and practiced so much, the music can suddenly open up. We've tried various solutions along the way, various possibilities. But when we go into the concert it all comes together."

All four musicians in the quartet say that the work with Nørgård has increased their understanding of classical music; for example the quartet has a quite special relationship with Beethoven's Opus 95 and has participated with the greatest empathy in outstanding performances of Mozart's clarinet quintet, with among others Martin Fröst.

In Per Nørgård's universe

At the same time the attitude of the musicians tells us something about the works themselves, Nørgård's quartets. They are characterized by a fusion of what may sound verbally like an irreconcilable contradiction between consciousness of structure and free composition: the sudden ideas, the spontaneous new possibilities that arise. The works have been written out in detail - great detail - but they are dependent on the encounter between thoroughly elaborated theories and new open-minded hearings of the material, which together shape the individual, characteristic work and its distinctiveness. The four quartets on this new CD are extremely different. In this light one understands excellently why Per Nørgård took a special interest when he heard the Kroger Quartet play his music for the first time. Two of the quartets, no. 7 and no. 10, are dedicated to the quartet. The most recent, no. 10, was composed directly for the quartet and has its own quite distinctive character.

The four quartets were written in the period 1993-2005, in a new period in Nørgård's music. One has to be careful about applying generalizations and ‘phases' to a composer who has written 375 works. But briefly one can say that while Per Nørgård experimented from work to work in the 1960s, in the 1970s his efforts were concentrated on a new musical world-picture consisting of the infinity series, the harmonic and subharmonic series, and rhythms based on the Golden Section. Then in the 1980s that phase was succeeded by a more directly dramatic or drastic kind of music inspired by the Swiss all-round artist, dreamer and schizophrenic patient Adolf Wölfli, who lived in a mental institution for the first three decades of the twentieth century.

But from the 1990s on the generalizing categories fail to apply, although new theories still arise. We should say rather that each individual work moves entirely in its own orbit, like a microcosm. This is a bit like the 1960s, but now against the background of the insights of the preceding decades. The transit-ion is formed by the great sphinx in Per Nørgård's music, Symphony no. 5 from 1990, an unruly and very appealing masterpiece where extremes meet extremes, where beauty and the grotesque can stand right beside each other, and where the fully-rounded and the open-ended can enter into new constellations together.

And so Per Nørgård marked the turn of the millennium with Symphony no. 6; the aim here was a new pleasure in music-making, a new lightness in the tonal idiom. Characteristically, this was combined with new depths. Quite specifically, the instrumentation was reinforced by an unusual number of low-pitched instruments. Then the composer surprised everyone again with a sister work, the one-movement, undeniably directly appealing and powerful Terrains Vagues, which begins at the most profound depths in the new ‘vague' rhythms that recur in Quartet no. 9. The quartets on the CD belong in this last period from the 1990s on.

The concept of the work and the genre

It will be evident that Per Nørgård is constantly expanding his musical universe to find new potential. Each new work is fresh and surprising, but it simply becomes harder and harder to gather them together under the heading of ‘contemporary music' or ‘modern music', although they are newly-written. Rather, this is ‘modern classical' music; indeed simply classical music. Not as retrospection or anything like that; the music is itself and does not point backwards, yet each work is based on a revival of the idea of the rounded or totality-determined, characteristic work that is sufficient to itself, and has its own laws.

When the composer proceeds this way from work to work and makes every piece represent a world, he also enters into a dialogue with the history of the genres. As far as the string quartet is concerned, this was one of the genres in the twentieth century in which the composers could go a very long way with their own new ideas, overstepping the ordinary boundaries of music.

If for example one comes to this new CD from Béla Bartók's quartets, it is a good idea to begin by listening to Per Nørgård's Quartet no. 9, with its two outer movements designated Allegro energico and Allegro brutale. But the overall direction is quite different for Per Nørgård. And much else is different, although the historical dialectic is clear enough. In the same way anyone who comes from Alban Berg's Lyric Suite for String Quartet could begin at the beginning, Per Nørgård's Quartet no. 7. Quartet no. 8 is associated with an opera that is set in the time around World War I, and perhaps has its counterparts in quartets by composers from the transition between two centuries: Janác?ek, Zemlinsky and Sibelius. The last of these - not specifically in the quartets, but in general - is Per Nørgård's most important precursor. Quartet no. 10 engages in its own mysterious dialogue with music as far back as Vienna Classicism.

The listener who has not heard Nørgård before can be recommended to begin with the third movement of Quartet no. 7 and the third movement of Quartet no. 8, where one hears some of the ascending and descending curves in several simultaneous layers that are so characteristic of Per Nørgård's way of thinking. The musicians can play each in their own keys or their own rhythms, but for the listener who encounters the totality what is manifested is a quivering figure, an oscillating but quite clear gesture, in descending or ascending motion or arches.

The individual quartets

String Quartet no. 7 was composed to celebrate the bicentenary of the Danish Royal Library as a national public library in 1993. The work has been revised several times since, and in its final form has been dedicated to the Kroger Quartet.

The first movement begins with faraway Nørgårdian signal notes, after which the movement surges into highly distinctive, fast, continuous motion at several levels. This motion carries everything along with it, and several times runs into something that recalls a waltz. Along the way one is swept for brief moments into very fast, mysterious passages where the quartet is a hive of activity, but which begin pianissimo. The first such place is characterized by runs and full parallel fifths that rise from pp to ff within four bars. Above the second such place we read Presto misterioso. Here there are bars where one musician plays 10, another 9 and the third 8 equally long notes in one bar, while the fourth voice enters after half a bar with its own staggered rhythms of 9 notes over two half bars. At that point the composer has written Wie ein Hauch, "like a breath"; the same thing is written at the last bar of Schoenberg's Six Little Piano Pieces from 1911. Here the strings are to play spiccato, sub ponticello, that is with a bouncing bow, close to the bridge which holds the strings in tension.

The slow second movement expounds brand new possibilities in a mode of writing that uses microtones. It begins with a chord that consists of a fifth plus a minor third raised a quarter tone, in other words a note and a chord that lie midway between major and minor. Above this, an alternative tonality complex is formed: the result is that throughout the movement there is an altern-ation between two diatonic systems, separated by quarter-tone intervals like sealed-off compartments.

The third and last movement forms the above-mentioned arch shapes in several layers, diatonically and at a brisk tempo: Allegro con brio. Here, as in other places in the quartets - in the actual attitude as it develops, not in the tonal material - there are reminiscences that go all the way back to the string quartet that helped to make Per Nørgård's name in earnest, String Quartet no. 2. Quartetto Brioso (1954, 1958).

String Quartet no. 8 in five movements is from 1995-97 and is based on material from Per Nørgård's chamber opera Nuit des Hommes (Night of Mankind - Night of Men). The text is by Guillaume Apollinaire and the action takes place before and during World War I. The quartet is entitled Natten sænker sig som røg - Night Descending like Smoke. In the first movement, Prologue - Eulogy we encounter a shimmering tissue of microtones and then an assemblage of fragments and inversions of the hymn tune Nu bede vi den helligånd (Now pray we to the Holy Ghost). This is in turn superseded by a section with repetitions of chords that spread out in freely chosen tempi to all the different instruments in polyrhythmic heterophony.

The second movement has the title Man - Animal, a grim, rhythmically insistent movement. The third movement, Voyage, begins with descending, sliding figures in several dimensions. It settles down to a middle register that sometimes has the feel of a distorted version of Nørgård's own infinity series. After this the movement spreads out again in quick, dot-like single notes, and train rhythms and drum associations combine travel and battle motifs.

The fourth movement, Night Descending, then begins in rather the same way as the third movement, but quietly and in a very slow tempo. Per Nørgård himself regards the boundary between the third and fourth movement as the contrast between enthusiasm for the new age when the war breaks out in the third movement, and in the fourth movement the very quiet, but all the more insistent existential Angst that is the result. The fifth and last movement, Epilogue - Elegy, returns to the motifs of the introduction, including the chorale, but now transformed or distorted into a lament, also with reminiscences of some of the other movements. The quartet moves directly in the frantic mode, while the drama of the other quartets is more associated with special musical elements, in Quartet no. 9 particularly rhythm:

String Quartet no. 9 was written for the famous Santa Fe Chamber Music Festival in the USA in 2001. It is in three movements, and the work has a title that is extremely noteworthy and helps us to understand this rhythmically direct yet complex work. The title is Ind i kilden (which can mean Into the Source or Into the Spring); in other words a reversed direction that is different from the spring's own, a motion back towards the origin and source. Even the association with which it should all begin, that is the spring or source itself, is actually only revealed in the last bars. The idea is ‘the further forward, the further backward', just as astronomers say that at some point in the future we shall be able to look even further back into the history of the universe. Per Nørgård writes that the quartet constantly digs deeper and deeper back towards the source, so that it approaches "the primal matter of music."

The three movements are fast - slow - fast: Allegro energico, Calmo and Lento-alle-gro ("brutale"). This directly accessible and particularly gestural work needs few words; the most important thing, also in a comparison with Bartók's quartets, is to point to the actual framework: that what may sound like a direct linear progression at the same time reflects the opposite. Just as we can say that time both goes and comes.

String Quartet no. 10. The title is Høsttidløs, actually the name of a plant (‘meadow saffron' or ‘naked lady'), but the name literally means ‘Harvest-Timeless' in English. It is a plant of the Colchicum family which flowers in September-October, while the leaves and fruit only appear in the spring.

The work was written with direct inspiration from the Kroger Quartet, alongside solo works for the quartet's cellist Jakob Kullberg. It also has stylistic affinities with the Harp Concerto from 2002, Through Thorns. The collaboration with a new generation of young musicians has undoubtedly contributed to the special lyrical and melodic transparency that is characteristic of the work. Here Per Nørgård pointedly revives the particular tonality he used in works in the 1970s. One can hear it right away: while the other three strings enter with muted tonal chords, in the cello we hear a kind of leitmotif of the work: three descending pizzicato notes. One imagines connoisseurs of Per Nørgård's music, when they hear just these three notes, nodding to one another: this is classic Nørgård, you can hear it in the course of just three notes. They are notes from the minor-like undertone or subharmonic series that Per Nørgård views as equal to the major-like harmonic or overtone series. One could say that they make up a C minor sixth chord, but they are also the second, third and fifth undertone if you start from the top on a G. This undertone series would also take in the seventh and create the so-called subdominant minor with an added sixth. The chord is common in popular music, although one does not hear it here. But it should be mentioned to emphasize that the use of the undertone series involves material with a strong emotional appeal. It is this that is emancipated from any sentimentality and introduced in new contexts.

The piece moves in one long breath through various landscapes, using the techniques and possibilities one also finds in the other quartets. There is a beauty, serenity and translucency in this quartet, where the concurrently and recurrently flowing melodies relate to the particular sense of temporality that comes from the repetition of the motif with its pizzicato notes several times along the way. It has not earlier seemed appropriate to mention Mozart's music in direct connection with Per Nørgård's music, but here we have it now: a new Mozartean transparency, a complete convergence of ‘classical' and ‘modern'.

Jørgen I. Jensen, 2008

Per Nørgård: Die Streichquartette 7-10

In den Jahren 1999-2000 nahm das damals neu gegründete Kroger Quartett in das Programm für seine allgemeinen klassischen Konzerte ein äußerst kompliziertes Streichquartett von Per Nørgård (1932 geb.) auf. Das Ensemble spielte Nørgårds 5. Streichquartett, dessen ganz eigene Charakteristik dem Einsatz von Quarttönen entspringt. Wenn man alt genug war um sich zu erinnern, wie diese Musik bei der Uraufführung 1969 erlebt wurde, dann konnte man eben feststellen, daß sich inzwischen ungeheuer viel verändert hatte. Damals fielen das Neue, die Klangexperimente, die komplizierten und neuen Klänge auf, man spürte, wie sich die Musik von Takt zu Takt immer tiefer in das Unbekannte hineinbohrte - und auch, wie schwierig und ungewohnt es für die Musiker war, diese Musik zu spielen.

Dreißig Jahre später hörte man vier junge Leute mit diesen besonderen Strukturen musizieren. Mit Selbstverständlichkeit und Überschuss verliehen sie dem Avantgardewerk eine neue Elektrizität. Nørgårds Quartett wirkte so wie ein neues, nicht nur modernes, sondern auch klassisches Werk.

Das Streichquartett als Lebens-entwurf

Als ich dem Quartett später erzählte, wie ihre Nørgårdaufführung gewirkt hatte, antwortete mir dessen Primarius Alexander Øllgaard, das Ganze habe ganz einfach deshalb etwas unbeschwerter geklungen, weil man für Nørgårds Werk dreißig Proben gehabt habe.

Glücklicherweise hat niemand untersucht, wie viele Stunden das Kroger Quartett für diese neue CD gebraucht hat; die Arbeit an den Nørgårdwerken, die neben dem klassischen Repertoire erarbeitet wurden, erstreckte sich über die letzten fünf bis sechs Jahre. Übrigens ist auf der neuen CD vor allem zu hören, wie sich das Kroger Quartett im zweiten Satz von Quartett Nr. 7, zu Beginn von Quartett Nr. 8 und im größten Teil von Quartett Nr. 10 Passagen mit Quarttönen und anderen Mikrointervallen angeeignet hat.

Die Arbeit an den neuen Nørgårdwerken ist eine direkte Weiterführung der ersten Bemühungen des Ensembles. Die Musik ist zwar auch technisch gesehen unstreitig neu und völlig originell, sie lässt sich jedoch auch als „klassisch", als in sich ruhende Werke betrachten. Die Quartette sind durchsichtig und dicht zugleich und durchleuchten neu, wofür auch die klassische Musik steht, die ebenfalls nicht nur ein Verweis auf die Wirklichkeit ist, sondern, wie das auch für Nørgårds gesamte Tätigkeit gilt, selbst Teil der Wirklichkeit ist. Je mehr man sich in die Musik vertieft und zuhört, umso stärker weitet sich das Wirklichkeitsbild aus.

Die Arbeit an den Nørgårdquartetten bestand für das Ensemble nicht nur aus zahllosen Proben und dem laufenden Dialog mit dem Komponisten. Die Werke wurden bei den Konzerten des Quartetts auch einzeln aufgeführt und in eher workshopähnlichen, improvisierten Veranstaltungen getestet, bei denen interessierte Zuhörer ihre Ansichten über die Darbietung vorbringen konnten. Der Kammermusik bieten sich in der neuen Musik besondere Möglichkeiten, weil die Zuhörer den Musikern nahe kommen und dadurch einen individuellen menschlichen Kontakt und eine Gemeinschaft erleben können. Kammermusik kann so eine besondere Nahaufnahme der Musik vermitteln.

Das Kroger Quartett ist bereits sehr erfolgreich und wurde von der internationalen Musikkritik gut aufgenommen. Am bemerkenswertesten ist jedoch die Alltagspraxis des Ensembles, seine Arbeit und seine Einstellung. Die Arbeit im Streichquartett ist anders als das Solo- oder Orchesterspiel. Sie erfordert ein besonderes musikalisches Gleichzeitigkeitsbewusstsein. Man kann spielen und zugleich zuhören: „Man muss selbständig arbeiten und den anderen folgen", erklärt Sanna Ripatti.

Es handelt sich um eine allgemein menschliche Erfahrung, wenn man in einem Streichquartett spielt, sagt Øllgaard: „Man ist ja ein soziales Wesen und möchte gern mit anderen zusammen sein und sich von anderen anregen lassen." Maj Kullberg ergänzt: „Unser Quartett ist eigentlich demokratisch. Wir haben keinen Leiter." Als die Musiker Nørgårds Quartette einstudierten, hätten sie versucht, die Rhythmen der anderen Stimmen zu singen, berichtet Jakob Kullberg, das sei notwendig, damit man in die typisch Nørgårdsche mehrdimensionale Rhythmik hineinkomme.

Man bekommt ein ganz besonderes Gemeinschaftsgefühl, wenn man versucht hat, von innen her damit zu arbeiten, was anderen abverlangt wird. All das bedeutet jedoch nicht, dass das Ganze nur kalkuliert und programmiert ist, oder wie Maj Kullberg sagt: „Wenn wir gearbeitet haben, kann das Ganze beim Konzert in einer höheren Einheit aufgehen. Weil wir so viel darüber gesprochen und so viel geübt haben, kann sich die Musik plötzlich öffnen. Zwischendurch haben wir verschiedene Lösungen, unterschiedliche Möglichkeiten ausprobiert. Doch wenn wir zum Konzert gehen, fügt sich das Ganze zusammen."

Alle vier Musiker des Quartetts sagen, die Arbeit an Nørgårds Werken habe ihr Verständnis für die klassische Musik gefördert. Beispielsweise hat das Ensemble ein ganz besonderes Verhältnis zu Beethovens Opus 95 entwickelt und mit größtem Einfühlungsvermögen, u. a. mit Martin Fröst, an hervorragenden Aufführungen von Mozarts Klarinettenquintett mitgewirkt.

In Per Nørgårds Welt

Die Haltung der Musiker sagt zugleich auch etwas über die Werke selbst, über Nørgårds Quartette, aus. Kennzeichnend dafür ist eine Verschmelzung dessen, was sprachlich wie ein unüberwindbarer Gegensatz klingen mag, nämlich der strukturellen Bewusstmachung mit der freien Komposition, den Einfällen, den spontan entstandenen neuen Möglichkeiten. Die Werke sind genau, ganz genau ausgeschrieben, basieren jedoch auf der Begegnung zwischen durchgearbeiteten Theorien und neuen freien Abhorchungen des Materials, die sich zusammen zu dem einzelnen charakteristischen Werk und dessen Eigenart zusammenfügen. Die vier neuen Quartette der vorliegenden CD sind äußerst unterschiedlich. Vor diesem Hintergrund versteht man sehr gut, dass Nørgård ein besonderes Interesse fasste, als er zum ersten Mal das Kroger Quartett seine eigene Musik spielen hörte. Zwei der Quartette, nämlich Nr. 7 und Nr. 10, sind dem Ensemble gewidmet. Das letzte, die Nr. 10, wurde direkt für das Quartettt komponiert und besitzt seinen ganz eigenen Charakter.

Die vier Quartette entstanden im Zeitraum 1993-2005, in einer neuen Periode von Nørgårds Musik. Bei einem Komponisten, der 375 Werke geschrieben hat, muss man mit Überblicken und Phasen zwar vorsichtig sein, doch lässt sich sagen, dass Nørgård in den 1960er Jahren von Werk zu Werk experimentierte, während sich seine Bemühungen in den 1970er Jahren auf ein neues musikalisches Weltbild aus Unendlichkeitsreihe, Ober- und Untertonreihen und Rhythmen nach dem Goldenen Schnitt richteten. Auf diese Phase folgte dann in den 1980er Jahren eine direktere dramatische oder drastische Musik, angeregt durch den Schweizer Multikünstler, Träumer und schizophrenen Patienten Adolf Wölfli, der in den ersten drei Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts in einer Anstalt lebte.

Seit den 1990er Jahren hält es jedoch schwer, die Musik so zu kategorisieren, obwohl sie noch immer um neue Theorien bereichert wird. Eher bewegt sich jedes einzelne Werk wie ein Mikrokosmos wohl in seinen ganz eigenen Bahnen, ein wenig wie in den 1960er Jahren, doch jetzt vor dem Hintergrund der in den vorausgegangenen Jahrzehnten gewonnenen Einsichten. Den Übergang bildet die große Sphinx der Nørgårdschen Musik, die Sinfonie Nr. 5 von 1990. Ein ungebärdiges und sehr anziehendes Hauptwerk, in dem Extreme aufeinander prallen, Schönheit und Groteskes direkt nebeneinander stehen und das Abgerundete und Offene neue Konstellationen eingehen können.

Die Jahrtausendwende markierte Nørgård dann mit seiner Sinfonie Nr. 6. Hier zielt alles auf ein neues Musizieren, eine neue Leichtigkeit der Tonsprache ab. Charakteristischerweise verbindet sich das mit neuen Tiefen, ganz konkret: Die Instrumentation wird durch eine ungewöhnliche Anzahl tiefer In-strumente verstärkt. Danach überraschte der Komponist mit einem Schwesterwerk, dem einsätzigen, zweifellos direkt ansprechenden und kraftvollen „Terrains Vagues", das mit den heftigsten Tiefenrhythmen der neuen „vagen" Rhythmik eingeleitet wird, die man im Quartett Nr. 9 wiederfindet. Die Quartette der vorliegenden CD fallen in diese letzte, in den 1990er Jahren beginnende Periode.

Der Werkbegriff und das Genre

Wie deutlich wurde, lotet Nørgård sein musikalisches Universum immer noch ständig nach neuen Möglichkeiten aus. Jedes neue Werk ist frisch und überraschend, nur wird es immer schwieriger, diese Musik unter dem Begriff neue oder moderne Musik zusammenzufassen, auch wenn sie neu komponiert wurde. Es handelt sich dabei eher um eine „moderne klassische" Musik, ja ganz einfach um klassische Musik. Nicht als Retrospektive oder Ähnliches, die Musik hat ihren eigenen Charakter und verweist nicht auf Zurückliegendes, dennoch aber basiert jedes einzelne Werk auf der wiederbelebten Idee des abgerundeten oder ganzheitsbestimmten, charakteristischen, in sich ruhenden Werkes, das seinen eigenen Gesetzen folgt.

Wenn der Komponist so von Werk zu Werk arbeitet und jedes Stück eine Welt vertreten lässt, lässt er sich auch auf einen Dialog mit der jeweiligen Gattungsgeschichte ein. Das Streichquartett war ein Genre des 20. Jahrhunderts, in dem die Komponisten ihre neuen Ideen sehr weit verwirklichen und die üblichen Grenzen der Musik überschreiten konnten.

Kommt man beispielsweise von Béla Bartóks Quartetten zu dieser neuen CD, so bietet es sich an, sich zunächst Nørgårds Quartett Nr. 9 anzuhören, dessen Rahmensätze Satzbezeichnungen wie Allegro energico und Allegro brutale tragen. Die Gesamtrichtung ist bei Nørgård jedoch eine völlig andere. Auch vieles andere ist unterschiedlich, doch die historische Nachbarschaft ist ganz deutlich. Andererseits wird jemand, der von Alban Bergs Lyrischer Suite für Streichquartett herkommt, mit dem Anfang, nämlich Nørgårds Quartett Nr. 7, beginnen können. Das Quartett Nr. 8 knüpft an eine Oper an, die in der Zeit um den Ersten Weltkrieg spielt, und hat seine Dialogpartner vielleicht in den an der Schwelle des neuen Jahrhunderts zu findenden Quartetten von Komponisten wie Janác?ek, Zemlinsky und Sibelius. Letzterer ist, nicht speziell in den Quartetten, sondern ganz allgemein, Nørgårds wesentlichste Voraussetzung. Das Quartett Nr. 10 führt dann seinen eigenen geheimnisvollen Dialog mit Musik, die bis in die Hoch-klassik zurückreicht.

Für jemanden, der noch nie Nørgård gehört hat, empfiehlt es sich, mit dem dritten Satz von Quartett Nr. 7 und dem dritten Satz von Quartett Nr. 8 zu beginnen. Man hört hier einige der steigenden und fallenden Kurven in mehreren gleichzeitigen Schichten, die für Nørgårds Denken so kennzeichnend sind. Die Musiker können jeweils in ihrer eigenen Tonart oder in ihrem eigenen Rhythmus spielen, vor dem Zuhörer aber, dem die Ganzheit entgegentritt, entsteht eine zitternde Gestalt, eine schwingende, doch ganz deutliche Geste in fallenden oder steigenden Bewegungen oder Bogenformen.

Die einzelnen Quartette

Das Streichquartett Nr. 7 wurde für die Königliche Bibliothek in Kopenhagen komponiert, die 1993 ihr zweihundertjähriges Jubiläum als der Öffentlichkeit zugängliche Nationalbibliothek feierte. Das Werk wurde danach mehrmals überarbeitet und in seiner endgültigen Fassung dem Kroger Quartett gewidmet.

Den ersten Satz leiten ferne Nørgårdsche Signaltöne ein, worauf sich der Satz zu einer auf mehreren Ebenen ablaufenden, ganz eigentümlichen schnellen und kontinuierlichen Bewegung sammelt. Die Bewegung nimmt alles mit und läuft mehrmals in etwas Walzerähnliches hinein. Unterwegs wird man für kurze Momente in sehr schnelle rätselhafte Passagen hineingeführt, in denen sich das Quartett in höchster Aktivität befindet und die in pianissimo beginnen. Kennzeichnend für die erste Stelle sind Läufe und Quintenparallelen, die sich in vier Takten von pp zu ff bewegen. Über der zweiten steht „Presto misterioso". Hier spielt der erste Musiker in manchen Takten zehn, der zweite neun und der dritte acht gleich lange Noten in einem Takt, während der vierte nach einem halben Takt mit seinen eigenen verschobenen Rhythmen von neun Tönen auf zwei halben Takten einfällt. An dieser Stelle schreibt der Komponist „Wie ein Hauch", was auch im letzten Takt von Schönbergs Sechs kleinen Klavierstücken (opus 19, 1911) steht. Die Streicher müssen hier spiccato, sub ponticello spielen, d. h. mit hüpfendem Bogen, dicht am Steg, der die Saiten gespannt hält.

Der langsame zweite Satz legt in einer Mikrotöne verwendenden Schreibweise ganz neue Möglichkeiten aus. Er beginnt mit einem Akkord, der aus einer Quinte und einer kleinen Terz besteht, die einen Viertelton erhöht wurde, mit anderen Worten also mit einem Ton und einem Akkord, die mitten zwischen Dur und Moll liegen. Darüber bildet sich ein alternativer Tonalitätskomplex: Im Ergebnis findet den ganzen Satz hindurch ein Wechsel zwischen zwei diatonischen Systemen statt, die wie durch wasserdichte Schotten durch Quarttonintervalle getrennt sind.

Der dritte und letzte Satz bildet diatonisch und in frischem Tempo, Allegro con brio, die erwähnten mehrschichtigen Bogenformen. Hier findet man, wie an anderen Stellen der Quartette, zwischendurch in der Einstellung, nicht eigentlich aber im Tonmaterial Anklänge, die bis zu dem Streichquartett zurückreichen, mit dem sich Nørgård erstmals wirklich einen Namen machte, nämlich dem Streichquartett Nr. 2, „Quartetto Brioso" (1954, 1958).

Das in den Jahren 1995-97 entstandene, fünfsätzige Streichquartett Nr. 8 baut auf Material aus Nørgårds Kammeroper „Nuits des Hommes" (Nacht der Menschen - Nacht der Männer) auf. Der Text stammt von Guillaume Apollinaire, die Handlung spielt vor dem Ersten Weltkrieg und während des Krieges. Das Quartett trägt den Titel „Die Nacht senkt sich wie Rauch" - „Night Descending like Smoke". Im ersten Satz „Prologue - Eulogy" trifft man auf ein zitterndes Gewebe aus Mikrotönen, das von Fragmenten und Umkehrungen des Chorals „Nun bitten wir den Heiliggeist" abgelöst wird. Darauf folgt wieder ein Abschnitt mit Akkordwiederholungen, die sich als rhythmische Heterophonie bei den verschiedenen Instrumenten in freier Tempowahl ausbreiten.

Der zweite Satz mit dem Titel „Man - Animal" ist ein grimmiger und rhythmisch markierter Satz. „Voyage", der dritte Satz, beginnt mit mehrdimensionalen, fallenden, gleitenden Figuren. Der Verlauf sinkt auf eine Mittellage ab, die wie eine etwas verdrehte Ausgabe von Nørgårds eigener Unendlichkeitsreihe wirken kann, worauf sich der Satz in punktartigen Einzeltönen wieder ausbreitet; Zugrhythmen und Trommelassoziationen vereinen Reise- und Kampfmotive.

„Night Descending", der vierte Satz, beginnt etwas ähnlich wie der dritte Satz, doch still und in sehr langsamem Tempo. Nørgård selbst begreift die Grenze zwischen dem dritten und dem vierten Satz als den Kontrast zwischen der im dritten Satz herrschenden Begeisterung für die neue Zeit, als der Krieg ausbricht, und der im vierten Satz zu spürenden ganz stillen, sich dafür aber umso stärker aufdrängenden Daseinsangst, die daraus folgt. Der fünfte und letzte Satz „Epilogue - Elegy" kehrt zu den Motiven der Einleitung zurück, auch zu dem Choral, der jetzt jedoch in ein Trauerlied verwandelt oder verdreht ist, auch mit Anklängen aus einigen der anderen Sätze. Das Quartett bewegt sich direkt im dramatischen Modus, während die Dramatik der übrigen Quartette stärker an besondere musikalische Elemente gebunden ist, im Quartett Nr. 9 insbesondere an den Rhythmus:

Das Streichquartett Nr. 9 wurde 2001 für das berühmte Santa Fe Kammermusikfestival in den USA geschrieben. Das dreisätzige Werk trägt einen äußerst bemerkenswerten Titel, der eine Verständnishilfe für das rhythmisch so unmittelbare und zugleich doch komplexe Werk bietet. Der Titel lautet „In die Quelle", also nicht „mit der Quelle" oder „in der Quelle treibend". Es handelt sich demnach um eine besondere umgekehrte Richtung, die sich von derjenigen der Quelle unterscheidet, also um eine Bewegung zurück zum Ursprung. Die eigentliche Assoziation, mit der das Ganze beginnen sollte, also die Quelle selbst, wird im Grunde erst in den letzten Takten offenbart. Der Gedanke lautet: Je weiter vorwärts, umso weiter zurück, so wie Astronomen davon sprechen, dass man einst in der Zukunft noch weiter in die Geschichte des Weltalls wird zurückblicken können. Nørgård schreibt, das Quartett grabe sich die ganze Zeit über immer tiefer zum Ausgangspunkt zurück, sodass es sich dem „musikalischen Urstoff" annähere.

Die drei Sätze sind schnell - langsam - schnell, Allegro energico, Calmo und Lento--allegro („brutale"). Das unmittelbar zugängliche und ausgesprochen gestische Werk bedarf nicht vieler Worte, das Wichtigste, auch im Verhältnis zu Bartóks Quartetten, ist der Verweis auf den Rahmen selbst: Was wie ein direktes lineares Fortschreiten klingen mag, spiegelt gleichzeitig den Gegensatz wider. So wie wir sagen können, dass die Zeit geht und kommt.

Das Streichquartett Nr. 10 trägt den Pflanzennamen „Herbstzeitlose", was auf Englisch mit „Harvest - Timeless" wiedergegeben wird. Die der Gattung „Zeitlose" angehörende Pflanze blüht im September-Oktober, während sich Blätter und Früchte erst im Frühjahr zeigen („naked lady").

Das Werk entstand unter dem direkten Einfluss des Kroger Quartetts, wie auch Solo-werke für Jakob Kullberg, den Cellisten des Ensembles. Stilistisch ist es auch verwandt mit „Durch Dornen", dem Harfenkonzert von 2002. Die Zusammenarbeit mit einer neuen Generation junger Musiker hat die für das Werk kennzeichnende besondere lyrische und melodische Transparenz zweifellos gefördert. Zugespitzt greift Nørgård hier die besondere Tonalität wieder auf, die er in den Werken der 1970er Jahre benutzte. Man hört es sofort: Während die drei übrigen Streicher mit -Dämpfer und tonalen Akkorden einsetzen, ist im Cello ein Art Leitmotiv des Werkes zu hören, drei abwärts pizzikierte Töne. Man kann sich vorstellen, dass sich Kenner der Nørgårdschen Musik beim Erklingen nur dieser drei Töne zunicken konnten: Das ist so ausgeprägt Nørgård, man hört es im Verlauf von nur drei Tönen. Es handelt sich um Töne der mollartigen Untertonreihe, die Nørgård als der durartigen Obertonreihe gleichberechtigt begreift. Man kann sagen, es handele sich dabei um einen c-Moll-Sextakkord, aber auch um den zweiten, dritten und fünften Unterton, wenn man oben auf einem G beginnt. Diese Untertonreihe trifft auch auf die Septime und schafft die sogenannte Mollsubdominante mit hinzugefügter Sexte. Sie ist hier nicht zu hören, doch der Akkord ist auch in der Populärmusik verbreitet. Hier sei das nur erwähnt um zu betonen, dass es sich bei der Untertonreihe um Material mit starkem Gefühlsappell handelt. Er wird von jeder Sentimentalität befreit und in neue Zusammenhänge hineingeführt.

Das Stück bewegt sich in einem Atemzug durch verschiedene Landschaften, wobei die auch in den anderen Quartetten eingesetzten Techniken und Möglichkeiten genutzt werden. Dieses Quartett ist schön, abgeklärt und durchleuchtet, wobei sich die gleichzeitigen, durchgängig strömenden Melodien mit dieser besonderen Zeitrechnung verbinden, die sich daraus ergibt, dass das Motiv mit seinen Pizzicatotönen unterwegs mehrmals wiederkehrt. Bisher drängte sich Mozarts Musik als direkte Assoziation zu Nørgårds Musik nicht auf, doch hier hat man sie also: eine neue Mozartsche Durchsichtigkeit, eine vollständige Identität von „klassisch" und „modern".

Jørgen I. Jensen, 2008